Am 25. September 1790 herrschte in den Straßen Pekings eine außergewöhnliche Unruhe. Zum achtzigsten Geburtstag des Qianlong-Kaisers waren die besten Künstler des Reiches geladen, um das Jubiläum des Herrschers zu Ehren der Qing-Dynastie zu feiern. Unter den Gästen befand sich die Sanqing-Truppe aus der Provinz Anhui. Ihr Auftritt markierte den Wendepunkt der chinesischen Theatergeschichte: Die Musiker und Schauspieler präsentierten den Erhuang-Stil, eine klanggewaltige Form des Regionaltheaters, die das bis dahin dominierende, eher aristokratisch-elegante Kunqu-Theater rasch in den Schatten stellte.

Aus dieser Begegnung zwischen den Truppen aus Anhui, späteren Einflüssen aus Hubei und dem lokalen Dialekt der Hauptstadt entwickelte sich über fünf Jahrzehnte hinweg das, was wir heute als Peking-Oper kennen. Es war eine Mischung aus Akrobatik, Tanz und einem höchst kodifizierten Gesang, die schließlich um 1845 seine vollendete Form fand.

Die Sprache der Farben und Masken

In der Peking-Oper ist nichts dem Zufall überlassen. Ein Zuschauer des 19. Jahrhunderts benötigte kein Programmheft, um die Gesinnung einer Figur zu verstehen; ein Blick auf das Gesicht genügte. Die Akteure nutzen die Technik des Jing, der bemalten Gesichter, um Charakterzüge unmissverständlich zu visualisieren. Erscheint ein General mit tiefroter Maske auf der Bühne, weiß das Publikum sofort: Hier handelt es sich um eine loyale, aufrechte Persönlichkeit, wie den legendären Kriegsgott Guan Gong. Ein weiß geschminktes Gesicht hingegen warnt vor Arglist und Machtgier – ein klassisches Merkmal für den historischen Staatsmann Cao Cao. Diese visuelle Semiotik ermöglichte es, komplexe historische Stoffe auch einem Publikum nahezubringen, das der klassischen Schriftsprache nicht mächtig war.

Die vier Säulen der Darstellung

Die Ausbildung der Künstler folgt bis heute dem Prinzip der Vier Fertigkeiten (Si Gong). Diese bilden das Fundament jeder Performance und werden oft über ein Jahrzehnt lang trainiert. Der Gesang (Chang) stellt dabei die emotionale Basis dar, wobei oft extrem hohe Tonlagen erreicht werden, um die Akustik der historischen Freiluftbühnen zu füllen. Das Rezitativ (Nian) ist ein stilisierter Sprechgesang, der die Handlung vorantreibt, während die Darstellung (Zuo) durch eine präzise Mimik und Körpersprache jede innere Regung der Figur verdeutlicht. Den spektakulären Abschluss bildet der Kampf (Da), der aus hochgradig choreografierter Akrobatik und kunstvollen Waffengängen besteht.

Minimalismus auf der Bühne

Während das westliche Theater des 19. Jahrhunderts opulente Kulissen errichtete, setzte die Peking-Oper konsequent auf die Vorstellungskraft. Die Bühne war traditionell ein quadratisches Podest, fast leer, bis auf einen Tisch und zwei Stühle. Ein Schauspieler, der mit einer Peitsche in der Hand rhythmisch über die Bühne schreitet, reitet für das Publikum ein Pferd. Zwei Flaggen, auf denen Räder gemalt sind, flankieren einen Akteur und verwandeln ihn in den Passagier eines Wagens. Diese Abstraktion dient nicht der Sparsamkeit, sondern der Ästhetik: Die Bewegung des menschlichen Körpers soll im Zentrum stehen, nicht der tote Gegenstand. Jeder Schritt und jede Handbewegung folgt einer kreisförmigen Logik, um scharfe Winkel zu vermeiden und eine fließende Schönheit zu erzeugen.

Zwischen Tradition und Revolution

Die Geschichte der Peking-Oper im 20. Jahrhundert spiegelt die Zerrissenheit Chinas wider. Unter der Schirmherrschaft der Kaiserinwitwe Cixi war sie noch das unangefochtene kulturelle Zentrum des Hofes. Mit dem Ende des Kaiserreiches 1912 begannen Reformen: Frauen, denen der Auftritt zuvor streng untersagt war, eroberten sich allmählich die Bühne, die zuvor von männlichen Darstellern in Frauenrollen (Dan) dominiert worden war. Einer der bedeutendsten Akteure dieser Ära war Mei Lanfang. In den 1930er Jahren reiste er in die USA und die Sowjetunion, wo er unter anderem Bertolt Brecht tief beeindruckte. Mei Lanfangs subtile Darstellung weiblicher Charaktere definierte die Ästhetik der Oper neu und machte sie weltweit bekannt.

Doch mit der Kulturrevolution (1966–1976) geriet die traditionelle Kunstform in existenzielle Not. Unter Jiang Qing, der Ehefrau Mao Zedongs, wurden die klassischen Stoffe über Kaiser, Gelehrte und Konkubinen als feudalistisch gebrandmarkt. An ihre Stelle traten die acht Modell-Opern (Yangbanxi), die kommunistische Heldenepen mit den Mitteln der Peking-Oper erzählten – nun ergänzt um Klaviere und westliche Orchesterklänge.

Ein Erbe vor neuen Herausforderungen

Nach 1976 kehrten die alten Stücke zurück, doch die Welt hatte sich verändert. Das moderne Peking bietet Konkurrenz durch Film, Popmusik und digitale Medien. Die langen, oft mehrere Stunden dauernden Aufführungen kämpfen um ein jüngeres Publikum. Heute reagieren die Ensembles in Peking, Shanghai und Taiwan mit einer Doppelstrategie: Einerseits wird die Tradition als UNESCO-Weltkulturerbe streng gepflegt, andererseits experimentieren Regisseure mit modernen Lichteffekten, gekürzten Fassungen und sogar Adaptionen von Shakespeare-Dramen. Die Frage bleibt, wie viel Modernisierung das Genre verträgt, ohne seinen Kern – die suggestive Kraft der Abstraktion – zu verlieren. Ob die Peking-Oper als lebendiges Theater oder als museales Denkmal überlebt, wird sich in den nächsten Jahrzehnten an den Kassen der großen Theaterhäuser entscheiden.

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Wen Zhang (2020): Peking-Oper – Belcanto auf Chinesisch: Einführung der Ausbildungsmethodik.*

Chengbei Xu (2012): Peking Opera: Introductions to Chinese Culture.*

Bildnachweis

Titel: Pekingoper, 二进宫, Wikimedia Commons, Augustokremo. CC BY-SA 4.0.

Pekingoper Shanghai: Wikimedia Commons, 陈文. CC BY-SA 2.0.

Schauspieler von 1981 (3 Bilder): Hans Bernhard (Schnobby). Wikimedia Commons. CC BY-SA 3.0.

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Die Kinnari (Sanskrit: kiṁnarī) ist ein in zahlreichen sakralen und literarischen Quellen belegtes Mischwesen, das als halb menschlich und halb vogelgestaltig beschrieben wird. Während sie in der indischen Urform oft als Musikerin am Berg Meru auftritt, entwickelte sie sich über Jahrhunderte zu einem zentralen Symbol für Schönheit und Grazie in ganz Südostasien.

Archäologische Zeugnisse und handfeste Musik

Die ältesten fassbaren Darstellungen dieser Wesen lassen sich in Indien an den buddhistischen Stupas von Bharhut und Sanchi aus dem 2. und 1. Jahrhundert v. Chr. nachweisen. In diesen frühen Steinreliefs begleiten sie als Randfiguren das sakrale Geschehen. Im 12. Jahrhundert bauten Steinmetze sie verstärkt in die Tempelarchitektur ein, etwa in Gujarat, wo sie als Schmuckmotive in Medaillons oder als himmlische Beobachter die Sockel der Heiligtümer zieren. Diese Verbindung zum Ritus zeigt sich auch ganz praktisch in der Musik: Das Instrument Kinnari Vina verdankt seinen Namen der Vorstellung, dass sein Klang dem Gesang dieser göttlichen Musikantinnen gleicht.

Kulturtransfer und literarische Einbettung

Durch den Seehandel und die Ausbreitung des Buddhismus gelangten die Erzählungen über die Kinnari von Indien nach Thailand, Burma und Kambodscha. In diesen neuen Regionen übernahmen die Menschen das Motiv nicht nur, sondern machten es zum integralen Bestandteil ihrer eigenen Weltsicht. In Thailand ist die Gestalt bereits im 14. Jahrhundert im Traiphum Phra Ruang greifbar, einer grundlegenden Abhandlung über die Ordnung des Kosmos. Die Autoren dieses Buches wiesen den Kinnaris einen festen Platz im mystischen Himaphan-Wald zu und machten sie so zu einem bleibenden Element der höfischen Dichtung.

Ikonographie und politisches Erbe

In der burmesischen Tradition ist die Kinnari eng mit der Lebensgeschichte des Buddha verknüpft. Verschiedene Jataka-Sammlungen erzählen von den früheren Existenzen des Erleuchteten und berichten, dass er auch als Kinnara wiedergeboren wurde. Infolge dieser spirituellen Relevanz hielt die Kinnari Einzug in die bildende Kunst: etwa als eines der 108 glücksverheißenden Symbole, die man in die Fußabdrücke Buddhas einlegt. Von der gläubigen Ehrerbietung war es nur ein kurzer Weg zur staatlichen Repräsentation: Die 14 vergoldeten Statuen im Wat Phra Kaeo in Bangkok zeigen heute, wie aus dem indischen Tempelbild eine königliche Wächtergestalt Siams wurde.

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Karl Döhring (2014): Buddhistische Tempelanlagen in Thailand.*

Bildnachweis

Titel: Kinnari, Wat Phra Kaeo, Grand Palace Bangkok. Eigene Aufnahme.

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Die Entstehung des kambodschanischen Rock’n’Roll

Der Vietnam-Krieg führte viele amerikanische Soldaten nach Südostasien. Ende der 1960er-Jahre betrug ihre Truppenstärke mehr als 500.000 Mann. Mit ihnen kam die amerikanische Infrastruktur und Lebensweise in die Region. Die Radiosender der US-Armee spielten die Hits ihrer Zeit und wurden nicht nur von Soldaten, sondern auch von der einheimischen Bevölkerung gehört. So gelangte der Rock’n’Roll nach Kambodscha.

Einheimische Musiker mischten die neuen Einflüsse mit der klassischen Musik und heraus kam eine eigenwillige, unverkennbare Mischung. Eine der größten Stars dieser Epoche wurde Ros Serey Sothea, die als Ros Sothea 1948 im kleinen Dorf Battambong geboren wurde. Sie wuchs in einer armen Familie auf, die es sich nicht leisten konnte, sie zur Schule zu schicken. Der Legende nach verkaufte sie in jungen Jahren gekochte Schnecken auf der Straße und erhielt dadurch den Spitznamen „Boiled Snail Girl“.

In ihrer Teenager-Zeit begann sie und ihre Familie mit regelmäßigen musikalischen Auftritten Geld zu verdienen. Der gute Ruf der Band lockte schnell Publikum von weit her an. Der ursprüngliche Name der Gruppe ist verloren gegangen, da die Zuschauer sie einfach nach ihren beiden Sängern „Serey Sothea“ nannten.

Die Musik-Industrie war zu dieser Zeit eine Boom-Branche in Kambodscha und erfolgreiche Musiker wurden zu landesweiten Stars. Ros Sothea und ihre Bruder Serey wollten die Chance nutzen und gingen in die Hauptstadt Phnom Penh. Ihr Glück ließ nicht lange auf sich warten: Bereits in der ersten Nacht wurden sie von einem Club fest engagiert.

Ros Serey Sotheas Aufstieg zur „goldenen Stimme der Hauptstadt“

Sothea fesselte das Publikum mit ihrem Auftritt, und schon bald wurden die Plattenbosse auf ihr Talent aufmerksam. Ihre Stimme war perfekt für die Mischung aus westlichen Rock und traditioneller Khmer-Musik. Sie erhielt einen Vertrag und produzierte mit „Stung Khieu“ 1967 ihren ersten Hit. In den 60er und 70er Jahren folgten viele erfolgreiche Alben und sie spielte in einigen Filmen mit. König Norodom Sihanouk gab ihr den Titel “Preah Rheich Teany Somlang Meas“ (die goldene Stimme der königlichen Hauptstadt).

Sie arbeitete mit einer weiteren Pop-Größe der Zeit,  Sinn Sisamouth, dem kambodschanischen Elvis, zusammen und prägte mit ihm eine neue Stilrichtung, die „Psychedelic Rock“ oder „Garage Rock“ genannt wurde. Ein Markenzeichen ist der Widerspruch zwischen Text und Musik. Gerne wird ausgelassene und fröhliche Musik mit Geschichten über Herzschmerz und traurigen Schicksalen vermengt.

So erfolgreich Sotheas Karriere auch verlief, ihr Privatleben war von Unglück geprägt. Sie konnte als hübsche Frau mit einer tollen Stimme zwar einfach Männer kennen lernen, allerdings verhielten sich diese oft wenig respektvoll. Als Sängerin verkaufte sie ihre Stimme als ein öffentliches Gut und damit verringerte sich in den Augen vieler Menschen ihr Ansehen.

In den späten 60er Jahren war sie mit dem Sänger Suos Mat verheiratet. Die Ehe hielt aber nur einige Jahre, wahrscheinlich auch deswegen, weil er sie wild geschlagen haben soll.

Ihre glücklichste Liebschaft war mit einem Fallschirmspringer der Armee. Sie folgte seinem Vorbild, trat in die Armee ein und machte ebenfalls ein paar Sprünge mit dem Fallschirm.

1975 wurde zu einem schwarzen Jahr. Sotheas Freund wurde bei einem Kampfeinsatz getötet und die Roten Khmer übernahmen die Macht.

Das tragische Ende unter dem Regime der Roten Khmer

Die neuen Machthaber scheuchten alle Menschen aus den Städten in ländliche Arbeitslager. Sothea versuchte in der kulturfeindlichen Epoche unerkannt zu bleiben. Doch lange konnte sie sich nicht verbergen. Nachdem sie entdeckt wurde, musste sie neben der Landarbeit den Roten Khmer zu Diensten sein und Lieder zu ihren Ehren singen.

1977 wurde verfügt, dass sie einen Assistenten von Pol Pot heiraten musste. Auch diese Ehe blieb unglücklich, denn der Ehemann neigte zur Eifersucht und schlug sie. 

Nur kurze Zeit später verschwand Sothea. Im Arbeitslager wurde vermutet, dass die schlechte Beziehung zu ihrem Mann der Grund dahinter sein könnte. Gerüchten zu folge wurde sie auf einem Karren gesehen, der sie mit anderen Leuten zusammen in eine unbekannte Stadt bringen sollte. Diese Aussage könnte jedoch ein verschleiernder Ausdruck für das grausame Schicksal gewesen sein, das viele Menschen unter dem Regime erlitten.

Sotheas Schwester, die die düstere Epoche überlebte, wurde zugetragen, dass die Sängerin unterernährt in ein Krankenhaus in Phom Penh eingeliefert wurde und dort kurz vor dem Einmarsch der vietnamesischen Truppen verstarb.

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